舞蹈摄影师由“记录者”走向“创作者” 

　　“当摄影把舞蹈中稍纵即逝的瞬间转化为永恒的视觉图像，摄影就成为了另一种方式的‘舞蹈’ 。 ”在近日由中国舞协主办的“舞聚云端”舞蹈类系列访谈第十期“镜头里的舞蹈世界”在线直播中，舞蹈摄影界的几位摄影师：庞大东、王宁、刘海栋、王徐峰、石磊、黄凯迪掀开了舞蹈摄影的神秘面纱——原来舞蹈也可以这样“舞蹈” 。

　　如果说舞蹈摄影的初期，摄影还是作为“记录者”为舞蹈存影留香，那么，时至今日，科技的日新月异，已大大激发了舞蹈摄影师们的想象，他们不再满足“记录者”的身份，开始利用更多科技、艺术手段向“创作者”变身。舞台剧目拍摄和影棚或者环境中的舞蹈写真拍摄是当今最常见的两类舞蹈摄影类型，刘海栋谈道：“舞台拍摄需要摄影师依靠扎实的基本功敏锐地捕捉动作表现的最佳点，在此基础上才能谈得上通过技术层面进行构图等的‘二度创作’ ，从而给予图像新的视觉冲击力；而写真拍摄中，摄影师则转变成一个作品的主导者，可以通过造型、服装、道具发挥属于自己的创作主导权。 ”

　　舞台拍摄是所有舞蹈摄影师的起步必修课，在基本功修炼成熟之后，摄影师们希望让舞蹈已不仅是舞台上动态的肢体之美，进而成为了在瞬间中捕捉到的永恒，它脱离舞蹈成为了一种静态的“舞蹈着的视觉艺术” 。其中的捕捉“瞬间” ，王宁认为“更多的像狙击手一样，去感受等待，将自己的情绪融入其中，在每个决定性的时刻出现，才能捕捉到完美” 。而对于如何使舞蹈成为一张张动人的作品，如何实现舞蹈摄影师们的创作？庞大东认为：“拍摄中可通过多次曝光来变换空间，通过慢速度来变换时间，最终落脚于通过自己的创作来重新组合舞台上的画面。 ”

　　但是，这种“自己的创作”并不是“另起炉灶” ，王徐峰认为是“让自己的想法跟导演构成共通，这里所说的‘共通’是突破摄影师创作瓶颈的关键点” ，摄影师经常是通过不同角度、不同位置、不同场次，多次的寻找对比来发现关键点。黄凯迪则通过解读编导的创作意图来寻找拍摄的发挥空间，比如主要人物之间的情感纠葛、剧目的整体构思结构等都是摄影师需要自己感悟的。所有的摄影师都希望自己拍出来的剧照“尽量拍得不像原来那个舞蹈” 。这里的“不像”在石磊眼中就是“我想让你看到我眼中的《天鹅湖》 ，而不是舞台上的《天鹅湖》 ” ，石磊认为舞蹈摄影不应还原一个耳熟能详的作品，而是通过摄影师们的巧思，让观众看到另一种艺术作品的呈现。那么，为什么舞蹈摄影师们对于摄影创作心向往之？因为“要超出编导的表达，才能创造出我们的摄影” ；因为“镜头所捕捉到的最美瞬间一定要超越这支舞蹈，才能体现摄影师的自身价值” ；因为“我可以让演员在我的镜头里跳舞” ；因为“摄影是一门艺术，我要让观众通过我的摄影，想到舞台之外，想到自己的生活” 。

　　当然，图像的后期处理对于摄影师们来说，也是进行创作的重要环节。石磊就非常重视后期的作用，他认为“后期如同见朋友前的梳洗打扮，一个好的后期，是要创造想象中的真实” ，黄凯迪随后在后期的处理方法上发表了自己的见解：“图像的‘干净度’是调整画面的关键” ，他以图像的色彩处理为例，表示“在尊重原色彩基础上，我会朝着纯净度的方向进行二次调色，从而赋予图像带有个人创作想法的质感表达” 。但是，王宁则认为“真实是最重要的，每个人的风格不同，我喜欢用光去塑造人物” 。

　　科学技术的飞速发展，引发了摄影与舞蹈的奇妙碰撞，也形成了舞蹈摄影蓬勃发展之势与知识产权维护的强烈反差，谈及此处，摄影师们更多的是苦恼与无奈。但是，他们表示，相信在全社会的通力合作下，摄影维权工作定会做得越来越好。