剥去浮云抬望眼，当今国画画坛，虽然流派纷呈，浓墨重彩，创新突破不绝于耳，但是对于当代中国画“不耐品、不耐看”的评价也使其在西学东渐发展下所走的道路显得尤为不平坦。更有一些作画者为了一时的金钱名利，完全被世俗气息、商业利润所控制，少了艺术创作的灵气，变成了俗气和匠气。画不够字来凑，字不够印来凑，把题语印章折腾得满纸乱飞，成了其创作不变的规律，彻底将艺术品沦为了一件件待售的商品。崇尚诗与画的完美合一，是“上下千年、纵横万里”的中国画屹立于世界艺术之林最为显著的艺术特征。在中西艺术相混融的今天，传统中国画倍受冲击，传统诗词遭受冷遇，把表现诗境美的中国画推到一个尴尬的境地。

    “诗中要有画境，画中要有诗境”，只有相得益彰才是中国画的境界之所在。苏轼曾评王维“诗中有画，画中有诗”，而这句名言也将诗画的关系阐述得更为亲密。王维的画作到今日我们已无法目验，然而每每读到其诗句总有一种画卷垂入眼帘之感，“雨中草色绿堪染，水上桃花红欲燃”，“松含风声里，花对池中影”融汇了“色、声、意、形”，将绘画的精髓带入诗歌的天地。虽不见其画，但是读到诗作，便有如画在眼前。甚至可以说如真见原作。这就是诗，突破画的有形的局限，可以将作品带入更高的意境，给观者更为丰富的联想。可见将诗仅做构图时填补空白之缺是多么令人遗憾！

    不是每一个书画人都可以与王维相比拟的，都能做到诗书画俱绝。但只要单纯自然，直抒胸臆，流露真情，超脱于表象的繁缛，用尽可能简洁、概括但形象的语言，依托读者的联想，创造一个更为广阔的空间，这便是到了我们通常所说的“境界”。书画大家齐白石，其画作将淳朴的民间风格与传统的文人精神相结合，其诗不求工，无意唐宋，师法自然，书写性灵，别具一格。他本人曾自诩“诗第一、印第二、字第三、画第四”。单纯从诗的角度，不必评判它的高明与否，可他的诗一旦题到画上，则立刻诗书画印浑然一体，将一个活泼生动、幽默诙谐、饶有真趣的齐白石跃然纸上。他画的《棉花图》题曰：“花开天下暖，花落天下寒。”《不倒翁图》题曰：“秋扇摇摇两面白，官袍楚楚通身黑。”语言外淡内真，俗中蕴雅，曾有人评其诗云“意中有意，味外有味”，用最为通俗，明白的语言再现普罗大众的所感所受、所思所想。白石已去，然而画中的他是“活”的，诗中的他也是“活”的。

    对于中国画，我总是愿意这样去理解它：首先要是一个有文化的人，然后又历经品格情操的修养，再而恰有绘画的造诣，三位一体才可成就中国画的精髓。一味固守于“画中”的樊篱之内，纵使材料、观念、技法如何变幻，只不过是“瓶中花，水中月”，再是婀娜多姿、美轮美奂，也总觉得少了些许“地气儿”。想在“画外”表达坚实深厚的精神和思想，想使“画内画外”心手相应，必然没有捷径可走。在艺术中没有什么“立地成佛”的妙诀，要画好画，必先学道，再学文，再学诗，然后再画。苦归苦，难归难，寂寞归寂寞，但不经一番寒彻骨，哪有梅花扑鼻香？