电影《打擂台》剧照

    香港电影金像奖刚刚步入而立之年，但香港电影却早已远离了它的黄金时期。虽然CEPA的签署在一定程度上促进了香港电影业的复苏，但是大批以合拍片身份出现的香港电影在票房繁荣的同时也越来越为人所诟病，“港片不港”被越来越多的香港本土观众以及内地资深港片迷所指责。的确，在失去了星马地区等大片东南亚市场之后，香港电影就一直面临着本土意识和内地市场之间的两难选择：一方面，对昔日的辉煌难以忘怀，渴望固守所谓的“香港精神”；另一方面却对内地丰厚的资金、广阔的市场难以割舍。这种两难境地在第30届香港电影金像奖上依然得到延续，甚至更为明显。本文寄期通过几个重要奖项的获奖影片，管窥香港电影的现状。

    本土情怀的自娱自乐

    很难想象，一部在制作、剧情、影像风格等方面都乏善可陈，甚至在票房上也不尽如人意的影片《打擂台》能一举囊括包括最佳影片在内的4项大奖。不过就笔者看来，该影片获奖虽然是意料之外，却也在情理之中。抛开郭子健、郑思杰两位新人导演不谈，就演员阵容而言，已经折射出这部影片的基调——怀旧。陈观泰、梁小龙、泰迪罗宾等昔日的港片明星所固守的那座茶馆，跟《岁月神偷》中的那条小巷一样，象征着一代香港人的集体记忆。虽然这些记忆并非都是美好，却充满了生活的质感，也就是所谓的香港情怀。影片中所体现的“港味”和剧中人物所表现的“坚守”深深打动了大批老港片的忠实影迷，当然，也打动了金像奖的评委。

    客观来讲，“本土情怀”似乎并不能作为评价一部影片好坏的标准，尤其对于一部动作片而言。已经习惯了电脑特效的新一代观众并不会被“拳拳到肉的真实格斗”所吸引，况且从影片欣赏角度看，脚踏实地的真实打斗并不见得就比特效更具视觉冲击力，成龙式的“亲力亲为、不用替身”早已不再是吸引观众去影院观看的理由。加之影片叙事节奏的拖沓，故事结构的单薄，这部相对平庸的电影，却主要因为“情怀”获得了香港电影的最高荣誉，与其说是香港精神的再次发扬光大，不如说只是香港本土情怀的一次自娱自乐。

    合拍片的尴尬境地

    从2002年开始，合拍片和香港本土电影在金像奖评选中就已经渐现“对半开”的趋势，所谓的“对半开”是指合拍片主要获得专业类的技术奖项，而香港本土电影则获得包括最佳影片在内的更具分量的奖项。笔者认为，合拍片获得诸多技术奖项更多体现的是香港电影人对“内地雄厚资金可以提供一流技术条件”的肯定，而并非是对影片总体艺术质量的认同。

    本届金像奖依然遵循着这样一个规律。本届的最大热门当属内地与香港合拍的电影《狄仁杰之通天帝国》，这部在内地斩获近3亿票房的电影与之前的《英雄》《夜宴》《满城尽带黄金甲》等合拍古装大片一样，包揽了绝大多数的技术类奖项，却最终与最佳影片失之交臂，虽然导演徐克凭借该片荣膺最佳导演，可这在笔者看来也仅仅是对徐克本人导演功力的认同，与是否是合拍片无关。同样作为合拍片，在内地斩获了近2.5亿票房的《叶问2》，也只是获得了最佳动作指导和最佳剪辑两个技术奖项。

    纵观30届金像奖的最佳影片，既有《投奔怒海》《笼民》《香港制造》等纯艺术电影，也有《警察故事》《英雄本色》《少林足球》等商业片，因此我们很难判断金像奖评判影片的标准到底是商业还是艺术。但是随着合拍片的介入，金像奖的评判标准反倒越来越清晰，倾向也越来越明显，那就是坚守本土。当然，香港电影金像奖作为香港本土的电影节，支持本土电影的做法本无可厚非。

    自我鼓励与论资排辈

    从2005年到2008年，金像奖连续4届将最佳女主角颁发给了内地女演员，然而从2009年开始，金像奖在表演奖项方面也开始回归本土，到2011年为止，已经连续3年颁发给了香港本土演员。将表演类奖项颁给香港本土演员，也可以看做是香港电影人的一种自我鼓励。当然，著名演员曾志伟也曾表示，奖项留在香港，并不代表香港的电影环境业已复苏。

    今年的新科影帝谢霆锋、影后刘嘉玲，在多数人眼中不过是少老组合，前者算是鼓励新人，后者算是安慰老人。纵观前3届的金像奖影帝，刘青云、李连杰、张家辉，都是上世纪90年代就开始活跃于香港影坛的中生代电影人，他们也曾经有机会登上影帝宝座，却因为各种原因未能如愿，同刘嘉玲一样，他们获奖的影片并不是他们所出演的最好的作品，但是却仿佛“论资排辈”排到了他们身上，这似乎在表示，演了半辈子戏，也该给他们一点安慰了。而谢霆锋的获奖则更像是一个美好的期望，期望香港电影界的未来后继有人，只是这种期望能否最终实现，还有待时间的检验。

    笔者认为，本届金像奖就含金量而言，较之上一届略有倒退，各个奖项的最终获奖者也并非实至名归。虽然回归“港味”可以看成是本届金像奖的一大特点，但是却并非亮点。毕竟，影片的艺术质量与“纯正港片”和“合拍片”之间并无太大关系，香港电影有过曾经的辉煌，希望能再创辉煌。