碧蓝的海水，青绿的岩石，成群掠过水面的白色海鸟……这是何海霞于1996年创作的《香港远眺》中描绘的情景。简洁的构图，大量纯色的运用，使画面看起来颇有油画的韵味，而细看用淡墨轻描的水纹，方知这正是何海霞将“院体画”的严谨、“文人画”的意境与“西洋画”的笔触融为一体的最佳明证。如今这幅何海霞晚年的力作就摆放在中国美术馆一楼大厅正中央，供世人欣赏。

    2008年是中国当代山水画巨匠何海霞先生诞辰100周年。值此之际，由文化部、中国文联、中国国家画院、中国美协、中国美术馆、中央美术学院主办，长安画院、何海霞美术馆承办的何海霞先生诞辰100周年作品展在中国美术馆举办。本次展览陈列了何海霞自20世纪50年代至90年代创作的山水画精品100余件，较为全面地展示了这位山水画大师的艺术成就。

    何海霞曾说：“在我一生中，先是画古人，后是画老师，再后是画生活、画政治，最后才是画自己。”虽然在展览中我们看不到他早期临摹的古画，但从展出作品的风貌上还是能看到其对传统的继承和发扬。何海霞师从张大千，深受其泼墨泼彩的影响，笔墨酣畅淋漓，不拘一格，而这恰为何海霞表现祖国河山的壮美之所用。如中国国家画院院长龙瑞的评价：“何海霞先生以深厚的传统功力和独特的观察角度，深深体悟出北方山水特别是西岳华山的精神气象，其所画山水苍茫浑厚、朴茂雄秀，有长枪大戟、错彩镂金之美，充分体现出了北方山水的独特魅力。”

    从上世纪五六十年代开始，何海霞与赵望云、石鲁的交往改变了他作品的面貌。从赵望云那里，何海霞学到了中国画可以写生，从生活中汲取营养；从石鲁那里，他学到了革命浪漫主义的表现方法。对生活和传统的再认识，使他的山水作品风貌更加丰满和人性化。展览展出的诸如《锦绣山谷图》、《延安颂》、《飞越秦岭变通途》等作品中，都很好地体现了这一点。此后，何海霞并没有因为“文革”而放下画笔，而是在上世纪80年代达到自己创作的高峰，展览中一些大尺幅的青绿山水作品都出自此时。《西岳华山》、《看山还看祖国山》、《万古此山先得日》等作品，反映了他在洗尽铅华后达到的一种忘我的境界，笔墨形式与技法早已不是其胸中的禁锢，他完全以手中之笔传心中之意。

    何海霞一生喜画华山和延安，而同类题材的作品也使他在长安画派中享有盛誉。这些创作于上世纪60年代和80年代的作品也最为世人所熟知。但此次展览中还展出了何海霞在上世纪90年代创作的一些作品，品来独有一番味道。此时的他已经走过了从写实到写生的创作阶段，开始探索“写虚”的境界。创作于1991年的《雨后如山洗》在黑与白的对比中，追求一种极简的构图和深远的意境，墨的使用极为丰富，这与何海霞此前作品的面貌迥异。对形式语言的纯化和“虚”境的营造是何海霞此时关心的命题。而同年创作的小品《泼墨云山》更是将青绿与墨色变化相结合，描绘出两者间的微妙关系，名为云山，实为心中之境的写照。除了小品，何海霞也创作了不少大尺幅的作品，《云山雾照图》创作于1992年，画面上没有一处实景，他对墨色浓淡、明暗、黑白关系的处理极为巧妙，空气流动与云山的形态变化完全以抽象的形式语言传达出来。九旬老翁还有如此的勇气和创新精神来探索自身的山水画创作，不由得令人钦佩。

    泼墨泼彩的青绿山水总给人气势磅礴、可远观而经不住细品的感觉，但何海霞的作品在细处下的功夫依然了得，树木、山石，无一重样。黄永玉曾撰文说，何海霞先生背得出一两百种树林、岩石的形状。而在展览现场播放的何海霞作画的视频中，观众能够目睹这位大师笔下的山水、树石是如何造就的。学中国画的人都知道看老先生作画是技艺精进的最佳路径，中国画创作不仅要知其然，更要知其所以然。而何海霞作画的录像和他耐心的讲解，使书画爱好者可以好好“偷艺”了。如何让树木显得有力，而又使画面不失明快？墨的浓淡干湿如何运用？何海霞都一一做了解答。想必有了这番演示，再回过头欣赏展厅里那一幅幅饱含深情的作品，我们或许会更理解何海霞在中国画的传承与发展方面所做的努力，理解这位世纪老人在20世纪中国画发展史上所创造的价值。