编者按 2008年5月9日，为期一周的“北京首届国际现代舞周”在天桥剧场拉开帷幕。来自国内外6个舞团（香港城市当代舞团、美国巴特利舞蹈团、德国布朗舞蹈剧团、广东现代舞团、北京雷动天下现代舞团、中央芭蕾舞团）的现代舞作品，为奥运前夕的北京之春，平添几许独特而精彩的艺术气息。由于这是北京举办的第一个国际现代舞周，不同文化背景的现代舞者在同一平台展示其艺术的创造成果，本报特约记者就现代舞的有关问题采访了上述6个舞团的主要编导和有关负责人。
1．现代舞在您所在的国家或城市的状况如何？而您的舞团在当地的发展怎样？
黎海宁（香港城市当代舞团驻团编舞）：香港是个比较商业化的城市，流行歌曲流行文化要更受欢迎一些。现代舞在那里有比较固定的观众群，而且人数也在慢慢地增加。在香港也有许多现代舞团，每个团都完全不一样。对于香港城市当代舞团来说，我觉得创作风格是蛮多元化的，因为总是不同的人在编作品。
乔纳森·霍兰德（美国巴特利舞蹈团驻团艺术家及艺术总监）：首先，我必须要提到在美国人们对于“现代舞”的困惑，那就是关于怎样为现代舞定义的问题，“现代舞”与“当代舞”以及“舞蹈剧场”应该怎样区分。为此，一些编导会刻意注重形式与风格，但我认为这不是舞蹈家需要考虑的，舞蹈家只需要创作，至于创作出来的东西叫什么，那应该是理论家以及批评家的事情。在当地，我们舞团除了做日常创作与演出之外，公益教育活动也是重要的部分。同时，纽约举办一年一度的舞蹈节，它是一个完全免费的开放性活动。这些，都让现代舞被越来越多的人了解和热爱。
伊娃·莱尔辛贝格（德国布朗舞蹈剧团编导）：德国的舞台上，现代舞与戏剧演出的比重等同。它们虽然不像流行音乐那样，但是拥有一大批观众。对于我的团来说，同样如此，很多人喜欢它，很多人总在期待我们的新作品。我们也会去各种各样的空间展示，而并不总是在舞台上表演。
刘琦（广东现代舞团副艺术总监）：关于现代舞在广州的情况，我觉得和北京差不多，都有固定的观众群。不过，我们有专门的小剧场，在那里除了自己团的演出以外，还有包括话剧和自由职业者们的表演，可以说呈现出来的面貌比较多样。至于我们团现在的艺术特点，它们一直在变，编导与演员都一直尝试寻找新的东西。
李捍忠（北京雷动天下现代舞团执行艺术总监）：现代舞里面有一个特别大的世界，喜欢现代舞的队伍也正渐渐扩大。北京雷动天下现代舞团组团以后，我们开始选择合适的剧场，做到一年３到４场演出，目的就是让观众对现代舞有更多的了解。
王全兴（中央芭蕾舞团演出部主任）：这个问题可以结合天桥剧场的特点来说。天桥剧场集中了一批喜爱舞蹈的观众，比如去年我们做的皮娜·鲍什的演出，形式感很好，社会反响也很强烈。这次的现代舞周的票价也很独特，没有座次价位的区别，每张票一律１００元，这能够吸引更多的观众走进剧场中来。
２．您怎样看现代舞常被视为“小众艺术”的问题？怎样对待观众的审美需求？又怎样对待观众反映“看不懂”的问题？
黎海宁：香港看现代舞的人就是小众，但是这个“小众”在慢慢地变大，我希望这个“小众”能越来越大。不过在创作过程中，我不会去考虑要不要迎合观众，比如这次我创作的《女书》。我完全不担心观众会不喜欢，因为前面那一部分的道具，那些扇子和手帕，都是人们很熟悉的，然后中间那段是西方音乐，有社交舞的感觉，也是现在很流行的。我用它们，因为觉得作品里需要。《女书》中我用到藏族舞，不是因为它会让观众觉得熟悉，而是因为它放在那里，和音乐的感觉，和“拿起纸”的动作感觉很合适。
乔纳森·霍兰德：我认为在这个问题上，艺术家有责任要去将观众带到舞蹈世界里来，之所以我们会致力于教育，建立舞蹈节的传统，就是这个原因。从我这次带来的作品中，你能感觉到我很乐意为观众考虑，因为我想要与他们交流与分享。同时，我们也要让观众知道，在面对现代舞时，他们只需完全放松，在舞蹈里面找到自己，找到自己需要的东西。因为现代舞是抽象的，所以它完全可以任观众的想象自由驰骋。
伊娃·莱尔辛贝格：在德国，虽然不同的编导家有不同的创作方式，但是观众还是比较习惯于理解和接受现代舞，所以它在那里不是小众的。对艺术家来说，与观众对话非常重要，而舞蹈的语言是肢体动作，所以无国界可言。我相信北京的观众能够懂我的舞蹈，并能够对它们作出回应。
刘琦：我一直都不太去理这个问题。有时候我的作品很大众，比如在荷花奖与桃李杯中获奖的那些作品，而有的作品，的确只有一小部分人看得懂。但现代舞必须走在前面，这又决定了它必须是小众的。在处理观众喜好的问题时，我的原则很清楚。如果是做商业性质的演出，就要考虑观众的喜好。如果做个人作品，我一定遵照自己的想法，这是一种说话的权力。至于它对观众会造成什么样的影响，要等作品出来以后才会知道，观众在看完它以后，可能今天没有反应，但是十天甚至十个月以后有了反应，也不错；如果看完以后忘记了，也没关系。
李捍忠：全世界所有的现代舞团中，没有任何一个有票房，这说明现代舞就是小众的。我们办艺术节也好，搞演出也好，一定是办一场亏一场。但是即便这样，我们也必须要做，必须朝前走。在创作时，我不敢说百分之百不考虑观众是否会喜欢的问题，但是会尽量去把握自己。当然，我希望作品能够引起观众的共鸣，并能够让他们有一些收获，甚至引导他们。不过总的说来，我们还是不太会考虑这些问题，根本原因还是我们没有生存压力，假如真的需要面临柴米油盐时，情形就会不太一样了，所以我们真的很庆幸。
王全兴：我以前觉得现代舞不太好理解，节奏也比较慢，不怎么愿意看。但是通过这几年的发展，我发现越来越多的人喜欢上了现代舞，喜欢看各种团的演出，喜欢各种不同的风格与模式，这说明现代舞的观众群体已经被慢慢培养起来了。
３．您怎样看待当下现代舞的创作潮流中，“动作”越来越少，“非舞蹈语言”越来越多的问题？您又是怎样处理这个问题的？
黎海宁：我觉得每个人都可以按照他喜欢的方式去创作，什么多一点什么少一点都没关系。我是以做剧场的方式去做作品，喜欢多样的东西，所以不会纯粹以身体的动作为主，达到我所想表现的效果是最重要的。
乔纳森·霍兰德：当人们盲目追求效果时，他们往往与“动作”本身失去了联系。但创作过程是直觉先行的，艺术家在创作的时候，不可能像理论家那样去思维，他们一旦考虑过多，结果一定是什么都做不出来。不过作品一旦完成，他们的确也需要回头去审视它，并做出判断。我在编舞时，会避免用过多的动作，效果是我考虑的一个因素，另外一个因素是我喜欢和音乐家们合作。
伊娃·莱尔辛贝格：我想动作对舞蹈作品来说并不是最重要的，但是是很重要的。动作是舞蹈家用来说话的工具，它非常直接，非常具有表情性，它能够比任何语言都具有震撼力。当我在舞台上用动作来告诉别人我的悲伤，他们一定能够感觉得到。所以在创作时，动作一定是我的“武器”。
刘琦：影像等非舞蹈因素在舞台上越来越多地出现，的确使作品中动作的主体地位受到影响。在我的作品里面，这种现象存在，但还不是特别明显，因为我会刻意把握动作与音乐、影像之间的平衡。在我心里面，影像不是动作的陪衬，而是伴侣，音乐也是一样。
李捍忠：作品中是否需要，这个是唯一的标准。至于观众是否喜欢，也不能当做标准。坦白说，一些作品放在一些观众面前，观众选择它们就像找朋友一样，这些人喜欢这个，那些人喜欢那个。但当为别人喜欢而去做作品时，可能很快就变成别人不喜欢的，因为不够真诚，身体是永远不会撒谎的。创作时，我也并不刻意突出动作在作品中的重要地位，如果能达到我想要的效果，我不会在意用什么来做，也不在意它们是时髦还是过时的。但是话说回来，动作最终还是我作品里最耀眼的部分，我最敏感的还是动作，别的语言我驾驭不了。
王全兴：中芭这两年开始与风格不同的编导合作，是为了不要总跳古典芭蕾，从其他的舞蹈里面吸取养分，形成更多的风貌。所以我想新的尝试，对于舞蹈，无论是芭蕾还是现代舞来说，都是好事情。同时，我也认为艺术家的创作方式，应该受到尊重。怎样让更多的观众了解和喜欢他们的作品，是市场需要解决的问题。
记者：用“众说纷纭”来形容每一位被采访者对于同一问题的回答再确切不过了！而在近期天桥剧场的舞台上，甚至在所有现代舞的舞台上，当每一位舞者酣畅地、执着地用身体来说话时，他们何尝不也是在“众说纷纭”，也许这恰是现代舞的共有姿态。